Svensk söndag: LOSERS

Det är 1992 och arbetslösheten är hög i Borlänge. Åsa (Isabelle von Saenger) jobbar på Arbetsförmedlingen och håller en starta-eget-kurs för arbetslösa ungdomar. Hon låter dom spåna fritt och drömma, försöker få dom att klura ut nya företagsidéer som kan bli till nya och välbehövliga arbetstillfällen.

En av killarna, Jonas (Pelle Åkerström) kommer på en idé som Åsa verkligen tänder på, eller rättare sagt, hon tänder på Jonas och i ett försök att komma ner i brallan på honom godkänner hon på eget bevåg en vildmarkshajk för hela kursgänget under förevändningen att testa hans företagsidé i praktiken.

Jag blev väldigt positiv överraskad av Losers. Den är blott 72 minuter men hellre 72 tajta minuter än fler om det bara är utfyllnad. Skådespelarna är riktigt bra allihop, fotot är väldigt snyggt och musiken som är skriven av Jonas Jonasson från bob hund är alldeles på pricken för att få mig att hamna i rätt stämning i varenda scen.

Jag får inte alls den lågbudgetkänsla jag trodde jag skulle få när jag ser filmen vilket enbart bevisar för mig att begåvning och kreativitet inte kan köpas för pengar. Järngänget är en film i samma genre som känns betydligt taffligare genomförd trots mycket större namn i rollistan och antagligen en väldigt mycket högre budget.

Det är en klart intressant debutfilm från Mattias Johansson och Markus Marcetic och det ska bli spännande att följa dom framöver.

För att dyka in i filmen ytterligare, läs gärna Except Fears intervju med Losers skapare och blir du nyfiken på filmen så finns den att hyra på Itunes.

THE STRANGE COLOUR OF YOUR BODY´S TEARS

Dan Kristensen (danske Klaus Tange) har varit ute på en resa och när han kommer hem upptäcker han att hans fru när försvunnen. KLIPP. Närbild på bröstvårta. KLIPP.  Kvinnoben som tittar fram under en lila klänning. KLIPP. Närbild på Dan (otroligt lik Willem Dafoe i vissa vinklar förresten). KLIPP. Bilden delas upp i tre. Uppspärrade ögon. Morristapeter. En drillborr. KLIPP. Brölande oljud. En bunden kvinna. Ett stetoskop. KLIPP. En snurrande LP-skiva. KLIPP. Dans ögon i närbild genom grön kameralins. KLIPP. Dans ögon i närbild genom röd kameralins.

Såhär fortsätter filmen i 102 minuter. Arty-farty-barometern går i taket och så även jag. Det här är INTE min grej. Filmer som försöker vara balla/coola/snygga/egna/svåra enbart för ballheten/coolheten/snyggheten/egenheten/svårighetens skull blir inget annat än skrattretande i mina ögon.

Kom igen, försök berätta nåt istället Hélène Cattet och Bruno Forzani, det här är en långfilm inte en videoinstallation på MAM i Paris.

Blir du nyfiken på filmen så visas den på Monsters of film-festivalen ikväll kl 22 på Zita eller på SF Anytime till och med söndag.

COHERENCE

Det skulle ha kunnat vara fredagsmys, vilket som helst. Ett gäng vänner, parmiddag, vin, mat, prat och lite skitsnack om den där mörkhåriga tjejen som kommer som en av kompisarnas date men som var en av dom andra männens flickvän förut. Det gror lite svartsjuka under ytan. Samtidigt spricker mobiltelefoner till synes helt utan anledning och inte bara för en i middagsgänget. Kan det bero på den där kometen som förväntas passera, den dom hört om på nyheterna?

Coherence är en riktig lågbudgetfilm, en science fiction-historia som är alldeles för smart för sitt eget bästa. Det börjar intressant men ju längre filmen går ju mer känns den som ett headset i en jackficka, ett myller av knutar och jox som det tar en halv eftermiddag att trassla ut. Det går säkert att bena ut det här twistade manuset också om man vill och orkar men jag hoppar den grejen för nu. Jag har lite annat att göra. Dammsuga, titta på Idol och sånt.

THE RAILWAY MAN

Om vi säger såhär, jag tror inte det finns så många som har svårt att välja mellan Aftonbladet och Expressen längre men det finns å andra sidan människor som har svårt att välja mellan varmvit och lite lite mindre varmvit när det ska målas väggar. Tänk om denna veliga människa ska regissera en film. Tänk tanken.

Ojojoj, jag fick massa pengar här nu, wååååååååw uj uj uj nu ska jag göra en sån jääääääla bra film asså men hrmmmmmp vad ska jag göra för nåt dårå, ett romantiskt drama, en krigsfilm, en hämndfilm, nåt mysigt, nåt iskallt, en boats, en linjär historia eller en som hoppar i tiden? Äsch, va tusan velar jag för? Varför välja när jag kan få…ALLT?

Jag tror att regissören till The Railway Man Jonathan Teplitzky resonerade precis såhär. Jag tror att han var i det närmaste ohärligt omständig och jag har svårt att tro att dom inblandade skådespelarna hade koll heller. Jag tror att Colin Firth och Nicole Kidman gjorde sin grej och jag tror inte dom tänkte ett skit på slutresultatet och jag tror att den överskattade War Horse-skådisen Jeremy Irvine tackade ja för att han var trött på att käka nudlar för hur ska man annars kunna förklara att han ibland (men inte alltid – bara för att vela lite till) mimar till Colin Firths röst när han spelar honom som ung?

Jag blir helt enkelt inte klok på den här filmen. Den är både välgjord och hafsig samtidigt, jag både bryr mig om paret Eric och Patti (Firth och Kidman) och skiter en hel hög i om deras förhållande överlever eller inte. Filmen känns bara….konstig.

Att jag ger den en tvåa beror på scenerna som Nicole Kidman och Colin Firth har tillsammans. Dom två misslyckas inte, dom kan inte göra dåligt ifrån sig på arbetstid och då jag gillar båda väldigt mycket njuter jag en hel del av att se dom jobba. Men resten av filmen…. Tillåt mig se ut som ett frågetecken.

2 X KORTFILMER: MITT HJÄRTA OCH MOTORSÅGAR

2013 gjorde Christoffer Nordenrot och Mårten Lindsjö en kortfilm som heter Motorsågar.

Filmen visades på Stockholms Filmfestival, på Göteborgs Filmfestival och på SVT och baseras på den sanna historien om Niklas Håkansson och hans våldsamt tragiska öde. Niklas blev slagen i bakhuvudet med en flaska och fick permanenta hjärnskador. I filmen heter han Pontus och säger detta om sitt eget öde: ”Pontus blev mördad”.

Trots att filmen visats både här och där hade den helt passerat min radar. Jag visste inte att den fanns förrän förra veckan när jag fick ett mejl från Christoffer med information om deras nya kortfilm Mitt hjärta. Jag blev nyfiken, tittade på den och bröt ihop. Det var natt och jag borde ha sovit, istället satt jag i sängen med datorn i knät och grät.

Storyn i Mitt hjärta är enkel, tror man. Jag trodde jag greppade den ganska direkt. Det gjorde jag inte. Den pendlar som våg mellan genres och jag tror att det finns lika många tankar om vad den egentligen handlar om som det finns åskådare. Handlar det om psykvården, om att åldras, om ensamhet? Är det en skräckfilm, en kärlekshistoria, ett allmänmänskligt drama? Jag tänker inte berätta hur jag tänkte om filmens baktanke, jag tänker bara hoppas att du har några minuter över och tar dig tid att se filmerna.

Jag har själv aldrig blivit så berörd av dryga tio minuter film som jag blev av båda dessa filmer, det är inte så ofta man får sina värsta mardrömmar synliga i koncentrerad form på det här viset. Men när jag satt där mitt bland tårar och snytpapper kunde jag inte låta bli att fundera på vad dessa filmare skulle kunna skapa i ett längre och större format.  Dom är nåt riktigt stort på spåren.

Båda filmerna är gjorda av Mårten Lindsjö (regi), Christoffer Nordenrot (manus & skådespelare) samt Josefin Eriksson (producent)

 

Här kan du se Mitt hjärta.

 
 

Här kan du se Motorsågar.


 

 

LABOR DAY

En film är aldrig bättre än dess svagaste länk. Stämmer det?

Jason Reitman har blivit nån slags halvfavvo för mig efter filmer som Thank you for smoking, Juno och Up in the air (Young adult var ingen toppenfilm Charlize Theron till trots) så man kan säga att det var med tyglad glädje jag först läste om filmen inne hos Movies-Noir. Manuset till Labor day är skrivet av Jason Reitman och det är även han som regisserat filmen. Nu har jag sett filmen och nej, Reitman är ingen svag länk, inte alls.

Efter att ha kärat ner mig fullständigt i soundtracket till Alexander Paynes film Sideways har kompositören Rolfe Kent haft en liten men speciell plats i mitt hjärta. Det är Rolfe Kent som skrivit musiken till Labor Day. Finns det nåt att klaga på, är han den svaga länken? Nej, inte alls.

Kate Winslet, denna otroligt begåvade skådespelare spelar Adele, en ofrivilligt ensamstående mamma som bär på ett inneboende mörker, en slags ledsenhet. Hon är den typen av människa som skulle känna sig ensam även i ett stort rum fullt med vänner. Kan Kate Winslet vara en svag länk? Nej, aldrig.

Adele är mamma till Henry, en pojke som ska börja sjunde klass och som spelas av Gattin Griffith, en kille som jag tror mig aldrig ha sett förr men som efter lite efterforskningar visar sig ha varit en frekvent anlitad barnskådespelare. Han var pojken som kom bort i Changeling och han hade små roller i Trubbel i paradiset, The new daughter och The Green Lantern. Här gör han både intryck och avtryck och jag är fullständigt övertygad om att man kommer se honom i fler och större roller framöver. Så svag länk? Icke.

Adele blev lämnad av sin man och tillika Henrys pappa Gerald (Clark Gregg). Kan genomsympatiske Clark Gregg vara en länk så svag att filmen vacklar på grund av honom? Såklart inte. Tobey Maguire då, som berättarröst, som den äldre Henry, är han en onödig pusselbit i historien? Nej det är han inte.

Jag kan analysera filmen ner på cellnivå och det enda jag kommer fram till är att den är suggestiv, den är mystisk, den är oförutsägbar och den är bra. Men varför tar den sig inte över en trea i betyg? Var finns den svaga länken, har den ett ansikte, ett namn? Ja.

J O S H B R O L I N.

Hade Labor Day varit beskaffad med en manlig huvudrollsinnehavare som utstrålat något annat än 2-komponents polyuretan hade filmen klickat för mig. Josh Brolin är lika intressant som en välanvänd Actionman-docka som reklamerats och ställts tillbaka på hyllan på Toys´r´us. Jag brukade inte ha en beef med honom, jag tycker inte alltid han är kass, men på sista tiden har han inte haft dom bästa av arbetsveckor.

Personkemin mellan Brolin och Winslet är noll, inte ens när dom kladdar ihop fruktpajsinnanmäte med sina bara händer samtidigt i en och samma skål hettar det till. Det är lite samma pryl som när Patrick Swayze och Demi Moore drejar i Ghost, med den lilla skillnaden att i den här filmen är sonen Henry med på ett pajfixarhörn. Det kan vara därför scenen inte hettar till som den borde. Kan vara.

Bortser jag från Josh Brolins existens och tänker mig någon annan i hans roll så är filmen bra, kanske till och med mer än bra. Definitivt över medelbra. Nu kan jag inte ge den mer än godkänt eftersom det finns det som skaver men jag önskar att jag kunde. Filmen har ”nåt” precis som Jason Reitmans andra filmer. Han är en snubbe att fortsätta hålla koll på, helt klart.

Movies-Noirs text om filmen finns här.

THE YOUNG AND PRODIGIOUS T.S. SPIVET

Ibland händer det att jag fastnar för en filmaffisch sådär mycket att jag nästan blir ledsen. Senaste gången det hände var när jag såg postern här ovan. Den säger så mycket, den är så otroligt fin.

Den lilla röda kärran, namnet Layton skrivet med vit färg och pensel, en liten pojke med beige jacka som har föräldrar som uppenbarligen köper honom för stora byxor så han ”har nåt att växa i”. Det går att vika upp dom. Många varv. Praktiskt lagda föräldrar alltså, knappast modeintresserade. Den lilla pojken känns även han väldigt praktisk och smart, istället för att bära den tunga väskan surrar han fast den på vagnen. Det vittnar om att han inte bara ska till grannbyn, han ska längre, han ska bort.

Har man följt filmvärlden på någorlunda nära håll de senaste tjugo åren kan man med lätthet se vem som ligger bakom filmen The young and prodigious T.S. Spivet bara genom en snabb blick på affischen (jaaaa, jag veeeet att namnet står att läsa längst ner). Givetvis Jean-Pierre Jeunet. Mannen som gett oss Delikatessen, Amelie från Montmartre, Micmacs, En långvarig förlovning, De förlorade barnens stad och Alien: Ressurection. Han är lika tydlig i sitt filmiska formspråk som Tim Burton är i sitt och Wes Anderson i sitt. Och i den här filmen tar han faktiskt med nån som brukar vara Tim Burton:skt så det förslår: Helena Bonham Carter.

T.S. Spivet är en tioårig förnumstig och högintelligent pojke, han är en såndär pojke som jag modell yngre önskade att jag skulle få bli mamma till – fast T.S. saknar attiraljen glasögon. En sån som väljer Nationalencyklopedin före Fantomen och som ritar flödesscheman istället för huvudfotingar. Nu fick jag ingen sån son men jag fick umgås med T.S en stund och det är inte fy skam det heller.

Telefonen ringer hemma hos familjen Spivet. Det är Smithsonian Institutet i Washington (USA´s Nationalmuseum) som utlyst en tävling och T.S har vunnit. Han har uppfunnit något häpnadsväckande jättesmart (något magnetdrivet) och han förväntas komma dit för att hålla ett tacktal. Det chefen på Smithsonian (Judy Davis) inte vet är att vinnaren är blott tio år och det T.S´s  föräldrar inte vet är att T.S (Kyle Catlett) tänker ta sig dit på eget bevåg utan att säga nåt till någon.

Hur funkar det med Kyle Catlett kanske nån undrar? Barnskådespelare är ett ämne för sig, det är väldigt sällan dom är helgjutna och det problemet finns även här. Men jag köper det. Kyle klarar biffen jättebra så länge han inte ska spela ledsen.

Filmen är en fest för ögat, den är som en Wes Anderson-film fast utan den där värsta iskalla dockskåpskänslan (*host* Moonrise Kingdom). Mysigt, charmigt, finurligt och galet snyggt. Se och njut.

Trailern kan du se här.

Svensk söndag: VI ÄR BÄST!

Det är 1982. Human League har en hit med Don´t you want me och dom flesta tjejerna i klassen har pastellfärgade kläder och helikopterlugg. Men inte Bobo (Mira Barkhammar) och Klara (Mira Grosin), dom har stubbat hår, gillar punk och tänker starta ett band.

Av någon anledning missade jag den här filmen när den gick på bio, eller, jaaa,  jag missade den inte, jag valde helt enkelt bort den. Den lockade mig inte, inte för fem öre och det förundrar mig varför. Filmen utspelar sig under samma tid då jag själv var liten, den handlar om musikintresserad ungdom vilket jag också var och Lukas Moodysson har regisserat vilket alltid är intressant. Så v a r f ö r har jag inte sett filmen förrän nu? Kanske för att min magkänsla var rätt, den var helt enkelt bara….sådär.

Sådär är ett ganska orättvist ord för en film som är så pass bra gjord som denna. Dom unga tjejerna är väldigt duktiga alla tre, scenografin är exemplarisk, känslan är bra men jag tror helt enkelt jag är bortskämd med känslostormar a la Fucking Åmål, Tillsammans och Lilja 4-ever. Vi är bäst! når inte ända  fram till mig och hur mycket jag försöker analysera varför så kommer jag bara fram till ett enda svar: därför.

ENEMY

Att se Enemy är som att titta på ett kärleksförhållande i retrospektiv.

Först tänker man bara på slutet, på uppbrottet, och slutet i Enemy gjorde mig mer eller mindre mentalt handlingsförlamad i flera dygn. Det gäckade mig. Jag förstod inte. Det skrämde mig, fascinerade mig, gjorde mig upprörd och jag fick svårt att sova.

Sen när sista scenen lagt sig i medvetandet började analysen av handlingen, av förhållandet, av allt man varit med om och sett. Jake Gyllenhaal som skäggig lärare och Jake Gyllenhaal som skäggig skådespelare, han spelar både rollen som lärare samt rollen som statist i en film som läraren Jake Gyllenhal hyrt i den lokala videoaffären efter tips från en kollega han inte verkar dela så mycket mer än lärarrummet med.

Läraren Jake Gyllenhaal blir som besatt av denne man på filmen som ser ut exakt som honom själv. Han letar upp honom, ringer, ringer igen, ringer återigen och den andre mannens gravida flickvän tror till slut att hennes man är otrogen. Den skäggige mannen Jake Gyllenhaal är liksom på två ställen samtidigt i filmen, han lever två liv, ett som brunklädd lärare med lugn flickvän, ett som svartklädd man med nojjig gravid flickvän men samtidigt ÄR han två personer, inte en. Männen må se likadana ut men dom beter sig olika, för att sedan på nåt sätt byta plats.

Alltså, Enemy är en film som biter sig kvar, den hugger sig in i magen med en liten liten vass yxa och den stannar där. Såna filmer är inte att leka med. Såna filmer växer inte på träd. Såna filmer ska man ta till sig, unna sig att fundera på och försöka njuta av även om det tar på krafterna.

Att Denis Villeneuve är en av världens mest intressanta och relativt unga regissörer står helt klart efter hans superår. Vad annat kan man kalla 2013 då han gjorde både Prisoners och Enemy, två fenomenala filmer och båda med Jake Gyllenhaal i huvudrollerna. Jag är MYCKET imponerad.

Tillägg en vecka efter jag såg filmen.

Jag trodde jag hade kommit över slutet, jag trodde jag hade slutat fundera men….icke. Jag drömde om spindlar och satt och skrev anteckningar för att få ut mina analyser om filmen ur huvudet. Det kändes som om jag fått rätt bra kläm på vad filmen egentligen handlade om, bortsett från det där förbannade slutet då. Nästan-bajsa-i-byxan-slutet.

Så fick jag tipset av Viktor på Filmmixern att titta på detta och sedan se om filmen. Jag följde hans råd. Nu känns det bättre. Det visade sig att jag hade koll på kanske 75% av filmen men med hjälp av förklaringsfilmen föll sista 25 på plats. Nu kan jag sluta grubbla, nu kan jag sova och nu kan jag höja filmen till det betyg den är värd. Jag skulle dessutom vilja lista (spoila) varenda smart liten detalj, varenda plantering, varenda genial scen men det tänker jag inte göra.

Det kommer att komma en tid då Enemy klassas som en klassiker från 2010-talet så se den om du inte redan gjort det. Den kommer göra dig galen ett tag men det är det värt, jag lovar.

THE ZERO THEOREM

Hade Qohen Leth (Christoph Waltz) bott i en lägenhet på Söder i Stockholm hade han varit en unkis vilken-som-helst. Kanske en lite udda unkis men vem är inte udda på Söder?

Nu bor inte Qohen på Söder, han lever i nån slags fantasi-framtidsstad som mer påminner om dom mest lekfulla gatorna i Tokyo – nattetid. Det är reklamskyltar överallt, det blinkar, låter, gnisslar, piper och på jobbet är det likadant. Han arbetar som hacker, ett tokstressigt jobb och hjärnan kokar nästan över av alla inputs som dagligen passerar hans sinnen.

För att hantera detta låser han in sig i sitt hem på fritiden, tar på sig pyjamasbyxorna och väntar på samtalet, det där samtalet vi alla kanske väntar på, att någon-som-betyder-något ska säga att han är viktig. I Qohens fall är det styrelsen han väntar på, ett samtal från The Management.

The Zero Theorem är en färgglad dystopi som utmanar både fantasin, synen  och tålamodet. Eftersom det är Terry Gilliam som ligger bakom filmen är den givetvis en fest för ögat, det är snyggt, coolt, häftigt på alla sätt och vis, scenograferna har fått jobba hårt för brödfödan. Ögonen kämpar på högvarv, det där med extremt mycket intryck stämmer även om man bara är åskådare. När filmen är slut känner jag för att stänga in mig i ett litet mörkt utrymme och inte komma ut förrän nån trugar ut mig med picknickkorg och kramar. Filmen tar nämligen på tålamodet. Den tär på tålamodet. Jag kan inte bestämma mig för om tanken med filmen faktiskt är hypersmart eller om det bara är floskler som rapats upp tusen gånger förut fast i mindre färggranna kostymer.

Återigen är Tilda Swinton med, utspökad till knappt igenkänning. Det är tredje filmen på raken nu (The Grand Budapest Hotel och Snowpiercer är dom andra två) när hon ses med stora glasögon, underliga peruker (eller ingen peruk alls) och överspel. Christoph Waltz är bra som Qohen men dom få stunder när filmen verkligen lyfter är när Matt Damon är med som The Management i konstig gardincamouflagekostym. Han försvinner liksom in i bakgrunden men man ser hans blonderade hår och hör hans röst.

Mélanie Thierry som Qohens ”köpekärlek” Bainsley är kanske lite för blek för denna roll, detsamma gäller David Thewlis som Joby, Qohens handledare på jobbet samt Lucas Hedges som sommarjobbaren Bob. Som jag ser det är det skådisarna som är problemet. Med mer personliga skådisar, såna med mer utstrålning hade varenda scen växt, nu blir det istället scenografin som har huvudrollen. Visst, det är snyggt men det blir inte jätteintressant i längden.

Jag hade hoppats få se mer av Gwendoline Christie (Brienne i Game of Thrones) men tyvärr spelar hon bara en rörlig mun på reklampelare. Tänk om hon istället bytt plats med Mélanie Thierry, vilket filmpar det hade blivit, Gwendoline Christie och Christophe Waltz. Wow!

FILMSPANARTEMA: KVINNOR SOM SLÅSS

Nåt som gör mig riktigt glad är vuxna människor som inte tappat förmågan att leka. Tyvärr är lekande vuxna ganska ovanliga. Det finns många som inte vågar visa sin barnsliga sida även om dom skulle vilja, många som som inte vill visa den, som bara tycker det är larv och sen finns det några stackars satar som inte vet vad ordet leka betyder, som antagligen aldrig vetat.

Månadens filmspanartema handlar om kvinnor som slåss. Vad har det med leka att göra? Massor, faktiskt, i alla fall i filmens värld.

En regissör med barnasinnet otroligt skönt lättillgängligt är Robert Rodriguez. Att se filmer av honom när han går totalt tokbananas i sin lilla värld är som att se riktigt bra dansare på scen, det ser ut att vara så himla lätt, det behövs inte övas, det behövs inga omtag, allt bara flyter och det går att se framför sig hur Robert R hoppar runt inspelningsplatsen med hoppsasteg, fnissar och klappar händer när scenografin exploderar och brinner upp.

Robert Rodriquez är inte bara galet barnslig i sitt sätt att göra film han är även väldigt duktig på att gestalta kvinnor som slåss, alldeles perfekt för detta tema tyckte jag. Det är kvinnor som slåss, kvinnor som skjuter, kvinnor som dödar, kvinnor som må vara preciiis hur snygga och utmanande klädda som helst men dom är allt annat än bimbos och våp.

Kvinnorna i den här filmen skulle aldrig skrika av rädsla när dom blir attackerade, aldrig ropa iiiiiiiii innan dom kramas, fan, nej, dom skulle aldrig kramas alls. Punkt. Men dom skulle heller aldrig erkänna att nåt gör ont, att dom är rädda eller på något sätt känner sig underlägsna männen, för dom ÄR inte underlägsna, dom är inga offer. Kvinnorna i Robert Rodriguez värld är helt jämställda männen.

Fast…okejrå….i den här filmen dör kvinnorna som flugor (i och för sig precis som männen) och den tuffaste av dom tuffa, Machete (Danny Trejo) överlever på många kvinnors bekostnad men i Planet Terror var det tvärtom, där kickade en enbent Rose McGowan rumpa så till den milda grad att luggen låg som ett lantis-V i pannan när filmen var klar.

Robert Rodriquez är inte bara världsbäst på att casta balla actiontjejer som kan slåss, han är om möjligt ännu bättre på att regissera dom. Alltså, det här är killen som kan få Jessica Alba att agera trovärdigt på film. Sug på den!

Vad skriver mina filmspanarkollegor om idag? Hur tänker dom om temat, vilka filmer om kvinnor som slåss har dom sett? Klicka på namnen för att komma till bloggarna.

Except Fear

Filmmedia

Filmparadiset

Fripps filmrevyer

Har du inte sett den

Jojjenito

Rörliga bilder och tryckta ord

The Nerd Bird

RAPTURE-PALOOZA

Det finns filmer man bör se när man är trött, när man är totalt urblåst i hjärnan, när det känns som att det lilla intellekt man har intakt är placerad nånstans mellan skinkorna. Befinner man sig i detta läge är Rapture-Palooza en ypperlig film.

Lyckas man frambringa nån form av kritiskt tänkande, en längtan efter substans och mening och en vilja att se en film som kräver mer än IQ daggmask för att förstå, ja då är Rapture-Palooza kanske inte filmen för dagen.

Med den här filmen i visserligen ganska färskt men ändock minne kan jag förundras över hur mycket jag skrattade. För skrattade, det gjorde jag. En pratande svärande kråka, skitkul ju! Craig Robinson som en rätt äcklig sexfixerad Satan, jätterolig! Ana Gasteyer som spelar psyk-mamman som skriker WHY WHYYY WHYYYYYYY hela tiden, jag ler bara jag tänker på henne. Och Anna Kendrick som den vanliga tjejen som ska försöka hålla ihop både förhållandet med pojkvännen, den lilla familj hon har kvar samt knäna filmen igenom för att inte bli påsatt av Hin Håle himself, hahaha, hon är kanon!

Precis som att McDonalds Drive-in ibland funkar när man är hungrig, inte för att det är världsgott utan för att man blir mätt, precis så funkar Rapture-Palooza. 85 minuter totalt hjärndöd komedi som varken kan eller bör analyseras sönder. Det är simpel underhållning, inget mer än så.

Fripps filmrevyer skriver också om filmen idag. Skrattade han? Euhm….klart han gjorde! Eller? Läs recensionen här.

MIDDLETON

Jag har många weak spots när det kommer till film men jag har en som blev uppenbar just nu: jag tycker det är hjärtskärande att se Andy Garcia gråta.

Det började redan i mitten på nittiotalet med filmen When a man loves a woman. Andy Garcia spelade äkta man till en alkoholberoende fru (Meg Ryan) och han var ledsen, han var riktigt ledsen. Både den filmen och Andy Garcia som skådespelare nådde ända in i min hjärterot och där har han varit kvar sedan dess. Det är ingenting jag tänker på dagligdags men det är nåt speciellt att se honom i filmer, jag blir som en känslomässig marionett i hans närhet. När han gråter vill jag trösta, när han är en elak jävel vill jag bli den som gör honom god och när han väljer att lägga sin tid på en oansenlig liten film som blir fantastisk bra vill jag korka upp skumpa och fira. Däremellan glömmer jag bort att han finns.

När jag klickade runt på Sf Anytime stannade min blick på en film jag inte hört talas om. Middleton. Andy Garcia och Vera Farmiga, två favoriter i en och samma film, en film som kändes både vuxen och mysig. Självklart valde jag att hyra den.

George Hartman (Garcia) ska åka till Middletonuniversitetet med sonen Conrad (Spencer Lofranco) för att ”känna på skolan” lite mer. Edith Martin (Farmiga) ska göra detsamma med sin dotter Audrey (Taissa Farmiga, nej det är inte Veras dotter det är Veras syster). Väl på plats på skolområdet springer George och Edith på varandra och en vänskap som inte var så hjärtlig till en början utvecklas till något annat.

Om man är snäll kanske man kan säga att Middleton är en ”vuxen Before Sunrise i universitetsmiljö”, mest för att allt utspelar sig under en enda dag. Om man är mindre snäll kan man säga mycket annat. Jag väljer att säga att filmen är okej men att Garcia och Farmiga gör allt som står i deras makt för att plussa på ett manus som kanske inte är superintressant. Men gillar man dessa två – vilket jag gör – så är filmen ändå sevärd. Gillar man dom inte, välj något annat.

LOCKE

Jag har skrivit om det förr och jag hoppas jag kommer göra det fler gånger. Det här är liksom själva grejen med mitt filmtittande, själva kärnan, själva svaret på frågan ”varför”.

”Varför tittar du på så mycket film? Har du ett sånt tråkigt liv att du måste fly från det? Hur har du tid? Kan du inte koppla av på andra sätt? Tröttnar du aldrig? Varför gör du det? Varför tittar du på film hela tiden?”

Därför.

Jag gör det därför.

Bara därför.

Jag tittar på film för att få uppleva magin, för att hitta filmiska pärlor jag kan bära med mig i resten av mitt liv.  Jag tittar på mycket film för att nånstans, nångång, en perfekt morgon, eftermiddag, kväll eller natt så dyker den upp den där filmen som liksom knackar mig förläget på axeln och säger ”hej hej, här är jag, visst är det min tur nu, ja det är det”.

Jag tittar på mycket film för att så småningom kunna känna av dom där knackningarna lite lättare. Jag tittar på mycket film för att jag längtar efter att få känna den där filmiska kärlekskänslan i hjärtat ännu en gång, för att jakten på nästa fullpoängare aldrig tar slut.

Jag tittar på film för att filmer som Locke finns. Jag tittar på film för att skådespelare som Tom Hardy kan ge mig gåshud enbart genom att säga ”Ivan Locke”.

Jag tittar på film av tusen olika anledningar och alla dessa anledningar är bra. Dom ledde mig ju till Locke.

[Locke har en GIVEN plats på min lista över 2013-års bästa lista. Här är den uppdaterade versionen.]

UNDER THE SKIN

Om jag inte hade läst en enda rad eller hört en enda mening om Under the skin är det tveksamt om jag förstått vad den handlade om. Det är tveksamt ändå men jag tror knappt jag förstått ramhandlingen utan denna visserligen sparsmakade men ändock förhandsinfo.

Jag kommer inte strössla med spoilers i texten men om du vet med dig att du gillar att se filmer som utmanar både ditt intellekt, din fantasi och ditt filmtittande så kan det vara en bra idé att sluta läsa här. Vill du däremot ha en fullständig analys av filmen föreslår jag uppfinningen Google, kanske det finns någon recensent någonstans i världen som knäckt koden? Själv jobbar jag mest med gissningar, det är en hel del famlande i blindo, så mycket är säkert.

Så. Varning för eventuella spoilers nudå. *klistrar upp svart-och-gul-bredrandig tejp, sån som finns i hissar bland annat för att man ska hålla fötterna på rätt sida och inte riskera klämskador*

Filmen utspelar sig i Glasgow med omnejd. Det är regnigt, gråruggigt, ser ut som vilken ångestdrypande svensk höstdag som helst. Scarlett Johansson spelar en kvinna som precis som övriga roller i filmen är namnlös på ImdB. Hon är skum.

En död ung kvinna hämtas upp av en motorcykelman och Scarlett klär av henne och tar på sig hennes kläder. Hon beger sig ut på Glasgows gator i en blå van och raggar upp unga singelmän. Dessa scener är tydligen autentiska, killarna hade ingen aning om att dom blev filmade, inte förrän senare när dom skulle godkänna sin medverkan i filmen.

Scarlett raggar upp män. Män dör. Drunknar i nån svart olja. Kroppar blir till blodigt klegg på ett löpande band. Scarlett raggar upp ännu en man. Ännu en man. Ännu en man. En man som är på utflykt på stranden med sin fru och halvårsgamla son.  Motorcykelmannen kommer. Rensar, fixar, flyttar kroppar.

Det finns två scener som bitit sig fast hos mig sådär riktigt ordentligt. Den ena är strandscenen (tänker inte berätta varför) och den andra är en scen när en ensam naken liten man går i högt gräs (vem och varför säger jag inte). Dessa två scener är så otäcka, så djupt mänskliga och samtidigt så ömsinta att vad jag än tycker om resten av filmen så är jag glad att jag såg den just för att få vara med om detta.

Nu lät det kanske som att jag inte tycker om filmen, det blev tokigt i såna fall för jag tycker om den. Den är knepig som FAN, den är svår att förstå, den kräver energi att ta sig igenom. Att Scarlett Johansson är affischnamn gör att filmen når ut, att hon visar sig spritt språngande naken gör att än fler ser den. Tänk så spännande det är med nakna kroppar – fortfarande. Eller?

Nej, spännande tycker jag inte att det är men jag tycker det är ganska modigt. Nu är Under the skin ingen Nymphomaniac så den som hade hoppats på nån Scarlett-halvporris blir nog rätt besviken. Filmen beskrivs dock på vissa ställen (har jag sett) som erotisk men det är knappt jag håller med där heller. Jag tycker inte nakna människor per automatik är erotiskt, dessutom är filmen alldeles för knepig och musiken alldeles för experimentiellt brölande för att jag ens ska kunna stava till erotik under filmens gång. Jag sitter dock med vidöppna ögon för att inte missa nåt, det är en rätt ruggig stämning och jag har ingen aning om vad som ska hända och vad jag ska få se.

Det här är en film som jag tror kommer få väldigt många fullpoängare världen över men också en hel del bottenskrap. Det är urtypen av en smal festivalfilm, endast namnet Scarlett Johansson kan få någon att tro annorlunda. Regissören Jonathan Glazer har förut gjort både den renodlade dramathrillern Sexy Beast med Ben Kingsley och den mystiska dramapeddofilmen Birth när Nicole Kidman blir kär i en 10-årig pojke som hon tror är hennes döde man. Men jag undrar om det inte är dagens film som blir hans stora genombrott, i alla fall på snackishimlen.

Det är den där filmen när Scarlett Johansson visar mufflan”. ”Jaha, DEN!” Så lär det nog låta, i alla fall tills dessa imaginärt citerade personer sett filmen. Då kommer det låta heeeelt annorlunda.

Fripps filmrevyer-Henke har också sett filmen. Kröp den under skinnet på honom måntro?

Soundtracket komponerat av Mica Levi finns (konstigt nog) på Spotify. Det är en skiva som består av 90% oljud och ”låt” nummer 11 som uppvisar liiite av det fina score som ändå hördes ibland i filmen. Lyssna på egen risk.